我之所以將Radiohead稱為一個品牌，實在是因為這個名字所代表的意義已經超過我們一般對於樂團的認知範疇。太多人說Radiohead被過度神化，但理性上來說你卻不得不佩服他們的行銷手法。就好像這次被許多媒體冠以「革命」的專輯發行方式，平心而論並不算真正的石破天驚。畢竟從Kid A開始，Radiohead的新專輯在發行前兩個月，mp3便會開始從不知名的地方開始在網路上散播已經是眾所皆知的事情。只是這一次他們抓回主導權，把原本的非法行為合法化。但如此簡單的轉念，就可以製造一個巨大的新聞價值，只能說Radiohead充分掌握了媒體和消費者的心理，甚至有說法是此舉為Radiohead闡述世界數位化的一部份。

但Radiohead仍然不會為音樂工業的迷途找到出路，畢竟這個產業裡現存，並能和他們相提並論的人物實在屈指可數。而照目前的趨勢來看，未來將更難有類似地位的ICON出現。就另外一種角度來看，他們提出的並非解決方案，而是在點破產業界所不願面對的勢之所趨。在DRM格式徹底失守之際，十年後的有聲出版品，是否還具有任何消費價值，目前都是一大問號。

In Rainbows和以往所有Radiohead的專輯一樣，都不是聽一次就能完全消化，但又令人心甘情願不斷重複播放的作品。和Kid A時期的作品相比，In Rainbows聽來格外溫暖，聲音處理的細緻程度更是讓人著迷。閉上眼睛聆聽時，那種被明亮聲響包圍的暈眩感特別明顯。Brilliancy跟我說，她覺得Radiohead已經羽化成仙了。而不只是音樂的氛圍如此，整張聽下來，每個人都會發現這是一張沒有hit song的專輯。去年夏天我去Berkeley聽現場演出時便有這種預感。十首歌沒有任何一首遵循著流行樂既有的「主歌 – 副歌」模式，也沒有任何一首歌有著容易記憶和朗朗上口的旋律線。然而歌曲間的連貫性和情緒的流暢性卻是前所未有的渾然天成。在整張專輯的氣氛之外，就音樂的掌握度上來說，他們也的確已經到了某種超脫繁塵的境界。

而另一點令人驚嘆的部份，就是十首歌曲大都控制在四分鐘左右，且沒有一首歌超過五分半鐘。在這樣的長度裡，歌曲的豐富性非但不減，反而更加精彩。很多人都期待Radiohead再作出像Paranoid Android般的長篇大作，但我卻不然。因為真正困難且雋永的，便是在有限的篇幅裡揮灑出無限的可能。這類歌曲我最愛提起的便是John Lennon在披頭四白色專輯所作的Glass OnionHAPPINESS IS A WARM GUN，在短短2:43的時間裡，淋漓盡致地發揮極為複雜的曲勢走法。而過去Thom也曾說過，他希望未來的作品都能控制在五分鐘以內，而在新專輯中，他們的確在歌曲長度和完整度之間拿捏了一個十分完美的平衡，幾乎沒有任何多餘的樂句，甚至是多餘的音符。

當然我也有挑剔的地方。Nude是自從去年在Greek Theatre初次聽見後便令我難以忘懷的歌曲。森林環抱的古典劇場裡，霧氣迷濛的舞台上Thom Yorke如天神般吟唱的景象到現在還記憶猶新。但錄音版本中結尾疊上的重唱並沒有印象中的獨唱來的動容。總感覺重唱反而削弱了Thom聲音細節裡獨有的美感，情緒也相對變得較平了。而最後一首歌Videotape，專輯版本和先前在iTunes上販售的From The Basement版本差別不大，和專輯前九首歌相比，有些過於赤裸。原本的想像中這會是一首更濕更飽滿的作品，但專輯中卻意外地簡約，後段背景的鼓聲也令人感覺有些突兀。但我想作者本身必然有他的想法吧，音樂就是如此主觀不是嗎？

身為忠實歌迷，我自然也是屬於付了四十英鎊買disc box set的傻子。反正對於這組我仰望了十幾年的偶像，實在也沒有什麼結論好下的。就等十二月聽了剩下的歌之後再說吧。

音樂給了這個世界太大的想像空間，不論是聆聽上的，或是生活與態度上的。而大多數人也都一廂情願地相信著自己所相信的。於是，看完這些音樂紀錄電影，人們依舊會循著自我的認知而產生各自不同的解讀，是愛與和平的神妙憧憬？或是搖滾教義的集體佈道？也許是：我們不該讓自己的情感渲染了這些故事，而該用更平靜的心態去面對他們的誠實。

我相信愛與和平，但我不相信有任何形式的活動能夠終極地達成這個目的。於是，當《搖滾世代》裡，Glastonbury Festival主辦人Michael Eavis口號式地套用了這句話之後，這個強壓在音樂祭上的符號也就不免顯得矯情。但儘管如此，我依舊不能掩飾自己對這樣在多元而豐富的文化場景下所孕育出的活動感到無比地嚮往。那是一個不需要繁複的形容去揣摩，不需要灑狗血的廣告文案去包裝的集體現象。 這延續數十年、經歷數個世代所累積出的創造力和實踐力，其意義遠大於任何一句冠冕的口號。

而同樣的美好經驗在《吶喊雷克雅維克》中，用另一種全然不同的方式來體現。在一個人口僅有三十萬，卻有著600個搖滾樂隊和400個管弦樂團的火山島嶼上，這些音樂人知道自己的唱片最多不會賣超過兩百張，因此恣意地創作著取悅自己的音樂，進而發展出地域性或個人色彩極為強烈的獨特風格，這是身為一個音樂人夢想中的純粹。身在台北的我們，同樣吸納著來自各方的音樂資訊與養分，為何未曾能有擁有像冰島一樣因為絕境裡認命地轉念，卻意外地集體開創出另一番新世界的勇氣？每當影片裡出現一個不同的冰島音樂人，用著奇妙地手法演譯著難以歸類的樂音時，這個疑問就在我的腦中衝擊一次。

身為搖滾樂手，我能了解自我風格探索，是在創作生命中由百思不得其解，直至豁然開朗必經的歷程。但很多時候，因為現實環境的優渥反而遏止了最初探索的渴望。在一切由形象塑造和表面包裝至上的市場運行中，投機似乎比創意要來得重要的多，而音樂很容易就走上了這樣的魔道。催眠聽眾和營造假象一向是搖滾樂商業結構裡重要的環節 — 不論是主流或是獨立樂壇皆然。而一旦如此的技倆得以輕易地奏效，一旦追求所謂「態度」或「生活型態」的訴求遠大於追求音樂本身的訴求時，創作人很容易就掉入了一個危險卻不自覺的境地。

《搖滾世代》便是一個容易讓人迷失的錯覺，裡面除了音樂祭必然出現的搖滾巨星剪輯，更大的部份是結集所有次文化場景所營造出的自由氣氛和生活態度。這讓許多追求解放的青年人很難不趨之若騖，而這也往往成為獨立音樂的商業思考裡，很容易被拿來利用的一點。在《搖滾世代》的重度催眠之下，《吶喊雷克雅維克》是喚醒美夢的鐘聲，她很切實地提醒了我音樂的本質與初衷，甚至是同樣身在一個重度文化殖民的島嶼上，在吸納與融合之後開創自我，這些我們理應背負的使命感。

而這或許就是搖滾樂手們最大的錯覺。

《最後一次搖滾》裡我們得以見到使命感這樣崇高字眼之外，更貼近真實的東西。九零年代在美國另類樂壇佔有一定地位的Dream Pop樂團Luna，解散前的最後巡迴，道盡了搖滾樂團在眾人仰望的舞台下，必須面臨的歌迷流失、團員爭執，以及現實壓力等種種問題。在搖滾明星這個讓人稱羡的名號之外，對於類似Luna這樣中級的樂團來說，每一次長途的演出都是龐大的開支，預算控制似乎成了比表演本身還要重大的課題。整部片中從日本、歐洲、到美國的巡迴過程裡，沒有出現過經紀人，表演現場也沒有自己的工作人員，很難想像這樣一個成立了十三年，頗有名氣的樂團，竟然和剛出道的樂團一樣，從巡迴聲明稿、打包準備販售的T-shirt，到現場試音裝線，一切自己打理。這和《紐約娃娃》片中貝斯手Arthur Kane重回舞台時所受到的巨星待遇有如天壤之別。當然，這兩個樂團本來就有極大的差異，New York Dolls是龐客世代綻放一時的傳奇，相較之下，Luna在代表性和地位上自然遜色不少。

《紐約娃娃》訴說著一個經歷過巨大成功的樂手，經過許多毀滅性的事件後，由絢爛歸於平靜，成為一個虔誠的摩門教徒。卻在生命燃盡前，得以重新回到舞台上，重溫三十年前的友誼和榮耀。整個事件由前The Smiths主唱Morrisey主導，使得其更添傳奇色彩。然而，整部片最令人動容的，並非其中如小說般煽動的情節，而是主人翁Arthur Kane的謙卑與平實，和他堅定的信仰。

信仰，使命感，現實。這就是搖滾樂團的經營歷程裡反覆出現的矛盾與衝撞。有朋友問我搖滾樂是否是單純建立在商業的機制之上？我不能說錯，但也絕對不是全部。《最後一次搖滾》清楚描述了獨立樂團在音樂創作之外，所要復出的辛勞和必須面對的現實，而這卻也是最大的樂趣和成就感所在。當樂團不只是拿來「玩」，而是一個需要費盡心思去經營的「事業」時；當樂團不只是追求一種表象的態度和生活，而是對音樂的信仰有更深入的探尋時，整個環境和氣氛才會出現一個正面的循環，而我們也才不會被那些飄渺的假象所蒙蔽。

不論你是音樂人、評論者，或是單純的樂迷，當你走進戲院觀賞這些音樂紀錄時，請用更謙卑的心去面對，用更虔誠的心去信仰，也用更冷靜的情緒去觀察。因為在那些令人目眩神迷的幻覺與想像之外，還有更多真切的感動等著我們去發掘。

位於舊金山同志區的Castro Theatre是當地歷史悠久且副盛名的戲院，至今已經有八十四年歷史。除了同志電影之外，Castro戲院也時常舉辦各類主題的影展。我看的片子是得到今年紐約Tribeca Film Festival最佳紀錄片的「The War Tapes」。這是一支關於美國第二次伊拉克戰爭的紀錄片，而它的特別之處，在於所有戰爭中的畫面皆是由三名參與作戰的前線美國士兵所拍攝，它藉由士兵的觀點來看這場充滿爭議的「解放伊拉克行動 (Operation Iraq Freedom)」，我們得以接收到親身參與戰爭者最直接的想法和感受，而不再只是置身事外的媒體、政府、學者，或是政治評論家。

參與拍攝的三名軍人，各自有不同的背景和入伍的原因，當然，對於這場戰役也有著不同的想法和信念。有人堅信自己是為了保衛國家和帶給伊拉克自由與民主的神聖意義而戰；也有人認為這場戰爭本質上就是起於美國對於伊拉克石油的窺覦。唯一相同的是，他們在戰場上只有盡其軍人的職責，不論他們為何而戰。這部紀錄片要傳達的不是一般我們對戰爭所賦予的是非對錯，而是讓你看見三個戰爭中的真實故事中涵蓋恐懼、利益、愛情、親情、矛盾、死亡…等等一切複雜而糾葛的連帶關係，並將一切都交由觀眾自己評斷。

推薦給所有在美國的朋友，可以上該片網站查詢放映戲院。台灣的朋友可以到這裡觀看影片片段。

Castro Theatre

Castro Theatre

試聽會因為其他邀請人紛紛不克前來，最後成了我和阿凱的對談會。主持人小樹發給我們一本歌詞本，和兩份官方的新聞資料，阿凱第一句話就問：「這資料是不是有錯，Keane的組合應該是『主唱、鍵盤、鼓』而不是『主唱、吉他、鼓』…」雖然這資料的確有誤，但也讓我們發現事有稀蹺。資料的後面，寫著他們這次用了許多吉他音效來製造所謂的迷幻聲響…

試聽會的方式以三首歌為一段落，每三首歌會停下來讓大家發表意見。第一首歌Atlantic前奏一出，便立刻讓我對Keane的印象完全改觀，用合成器推砌的龐大音牆和完全無法和他們聯想在一起的黑暗風格與曲勢轉折，很清楚的宣告這張專輯的強烈企圖心。第二首歌，也是首波單曲「Is it Any Wonder?」更是完全跌破大家眼鏡，我和阿凱用難以置信的眼神對望，「這是U2嗎？」，整首歌高速的行進感由The Edge式的吉他帶領，搭配著Bono風格的旋律和唱腔，若是走在路上聽到一定會誤認為是U2新曲。第三歌「Nothing In My Way」稍微拉回原有的Keane式鋼琴搖滾，但bass line這次明顯的被突顯出來，不再躲躲藏藏。這三首歌已經隱約的透露我們，這會是一張不得了的專輯。

第四五首歌一樣是「合成器至上」的編曲模式，在沒有聽過這張專輯前，很難想像搖滾樂中，吉他可以被合成器取代地如此徹底。Keane用合成器製造出90年代迷幻吉他搖滾的聲響，甚至更加龐大迷人。第六首歌「Hamburg Song」讓人在連續的音牆轟炸後稍作喘息，很棒的曲序安排，管風琴前導的Gospel開場配上Tom動人的旋律線，第一句歌詞「I don’t wanna be adored」很直覺的讓我想到The Stone Roses的「I wanna be adored」，而這也清晰的表達了他們和一般搖滾樂團截然不同的內斂性格。

第七首情緒拉昇後，第八首標題曲「The Iron Sea」再度陷入陰暗的幻境，這首演奏曲又一次展現了他們合成器的鋪陳功力。第九首歌「Crystal Ball」是這張專輯我最喜歡的一首歌，也是其中我認為最符合radio song要件的歌曲，中等長度、朗朗上口的旋律，十分適合反覆聆聽，我大膽預測這會是下一首單曲首選。

第十首歌「Try Again」是個情歌小品，第十一首「Broken Toy」開頭有著Tom Waits陰森頹廢的興味，但一進主歌便拉回原有的甜美風格，有些可惜。結尾「The Frog Prince」如其名充滿童話故事氣息，彷彿星空在眼前旋轉，很適合作為天文台太空教學影片的配樂。

我不吝色的給了這張專輯五顆星。總結來說，這是一張成為經典專輯的典型範本，簡單講就是一張模範生專輯，大氣的開場、充滿速度感的首支單曲、低迴的小品、詭異的演奏曲、radio song、美麗的尾聲。每一步似乎都經過精密設計，但又真誠而懇切。在目前媒體狂炒retro-rock的英國樂壇，Keane沒有被一炮而紅的壓力所迷惑，而是創造出一個完全超乎各界意料之外的驚奇。只能說，他們跨越了「第二張專輯」這個所有樂團最為懼怕的巨大門檻，一個經典大團將就此誕生。

以下是我最愛的Crystal Ball。

我想我不需要在這裡強調聽Oasis唱“Don’t Look Back In Anger”有多令人感動、或是Placebo的“Special K”有多令人熱血沸騰，因為這些都不是用文字可以描述的，我只能建議沒有看過他們表演的各位下次有機會請必定要把握。除此之外，我有一些比較實際的心得跟大家分享，特別是在玩樂團的朋友。

現場是搖滾樂團的生命

這次表演的樂團中，其中有四個是我時常會拿專輯出來聆聽的，其中包括：dEUS、Oasis、Snow Patrol和Placebo。Ian Brown自從The Stone Roses解散後，他的歌我就沒再喜歡過；Franz Ferdinand、Maximo Park和The Futureheads這些車庫復興團因為相對比較不具旋律性，所以我也並不會常聽。但撇開dEUS、Oasis、Placebo這幾個經驗老道的團體不說，我徹底地體認到FF和Maximo Park這類型樂團之所以能闖出一片天，靠得完完全全就是現場的煽動力。特別是FF，不論是聲音的控制、曲序、氣氛的掌握、與觀眾的互動，甚至是臉部表情、串場的講話，都絲毫沒有給觀眾任何喘息的機會，整場表演從第一聲鼓擊開始就一路高潮到最後。這是我在聽專輯的時候從來不曾預想過的事情。而最鮮明的對比則是Snow Patrol，專輯錄音的精緻度、旋律性都令人愛不釋手，想要反覆聆聽，但是現場表演的精彩度不及錄音的百分之一。從裝扮帶著土味開始，到樂器間平衡度不佳、主唱現場功力不足等等…讓人有些失望。就算歌曲本身十分優秀，一旦表演無法將氣氛呈現，一切都是枉然。尤其重要的是樂團在舞台上呈現出的霸氣。同樣是主唱現場嗓音差強人意：像Ian Brown和Liam Gallagher，就算現場表現只有錄音室作品一半的水準（事實上，Ian Brown能有如此表現已經讓我跌破眼鏡），但表現出來那種不可一世的傲慢恰好就是觀眾們所期待的搖滾形象。比較年輕的樂團像是Maximo Park和Snow Patrol便沒有如此大氣，但也許這就是新團羞澀和可愛的地方。

編曲在錄音與現場之間的權宜

依照我的經驗所歸納出的結論：錄音室作品明明十分完美、歌曲也十分動聽，但卻沒有辦法站到第一線位置的樂團，通常問題都是出在現場。Doves是一例，The Music亦然，這次的Snow Patrol更是最好的證明。問題除了前面所說的聲音、氣勢之外，編曲也是一個問題。因為很多在唱片中很漂亮的編曲，在現場表演時反倒成為了一項阻礙，例如：變拍、多層的樂器堆疊、和聲等等，這些東西在現場時往往比較不容易掌控，同時也容易讓氣氛的熱烈程度變得不連貫。像FF等吉他一tone到底、節奏從頭到尾硬幹的樂團來說，現場反而成為一項優勢，因為在現場的聽眾，最在意的不再會是枝微末節的細膩程度，而是整體的衝擊和韻律性。所以如何在錄音和現場之間做出最恰當的平衡，是一門很大的學問。Oasis、Placebo是這次把這點做得最完美的兩個樂團，我之前看過能夠做到的也只有Radiohead、Mercury Rev、Mew和Blur。尤其Radiohead現場如天神下凡般的表現，實實在在讓人了解到，他們之所以會被稱為世界第一團，不是沒有道理的。

什麼時候才會輪到台灣？

這個無奈的問題每年都要問上天一次。雖然這幾年大型的音樂祭越來越多，水準也越來越高，但要達到這次Bangkok 100 Rock，甚至是日本Fuji Rock或Summersonic的水準，在軟硬體上都還是有一大段差距。當然這是一個牽涉範圍很廣的問題，我就不再多所討論，只是依然期待有朝一日，我們可以不用遠渡重洋，便可以欣賞到如此高水準的表演。

以下是這次活動我心目中的前三名：

1. Placebo
2. Oasis
3. Franz Ferdinand

Highlights:

• Every Me And Every You – Placebo
• Special K – Placebo
• Don’t Look Back In Anger – Oasis
• Live Forever – Oasis
• This Fire – Franz Ferdinand
• Instant Street – dEUS
• 走下舞台的Liam Gallagher，距離我不到一公尺…

無極電影海報

Originally uploaded by Pochang Wu.

最假特效+最可笑劇本+最俗造型+最沒品味美術+最令人失望的導演=無極，最無話可說的電影。

警告各位不要和我一樣花冤枉錢。

還有我發誓這輩子不會再看陳凱歌的電影。

接觸到dEUS完全是誤打誤撞。99年的某天，我和春佑兩人無聊地在新竹火車站前的大眾唱片閒逛，因為不知道要買什麼，所以開始漫無目的地看側標來挑CD。我買了什麼已經不記得了，而春佑買的就是dEUS的“Ideal Crash”。這張專輯對於當時的我們產生很大的衝擊，其中千變萬化的音樂風格、詭異刁鑽的吉他和絃和旋律線令人耳目一新，曲調時而甜美、時而兇猛，不時還帶著些許調侃與諷刺的興味。尤其是其中的單曲“Instant Street”更在當時被我們奉為國歌，幾乎每天都要聽上好幾回，甚至春佑的英文名字都來自其中的一句歌詞：“Pains playing yoyo in my body as we speak.”

dEUS成立於1991年，早期以翻唱為主，但很快地開始進行創作。四軌EP“Zea”發行後，樂團開始在倫敦展開一系列演出，並且因此獲得Island Records的一紙合約，成為少數簽入國際大廠的比利時樂團。前兩張專輯dUES開始建立出自己的獨特風格，他們將民謠、龐克、爵士、Grunge等樂風巧妙地融合；第三張專輯“Ideal Crash”在歐洲獲得空前成功，巡迴演唱會場場爆滿，最後一系列的演出甚至擺出嘉年華慶典的陣仗，特別邀來了吞火的表演者和舞群。之後樂團順勢發行了單曲精選“No More Loud Music”。然而，就在聲勢正旺時，dEUS卻忽然宣佈休團。

這幾年間，樂團成員各自發展個人的計畫，復出之後，除了主唱Tom Barman和小提琴手Klaas Jazoons之外，其他都是新面孔。然而，在這兩位原始團員的掌舵下，dEUS一貫獨特的多元性和優美旋律線依然，開頭曲“Bad Timing”就十足展現了dEUS將怪異破音吉他穿插在優美聲線中的功力，最後長達一分多鐘的Grunge式吉他衝刺搭配著背景的呢喃，毫無保留地宣告dEUS的回歸；首支單曲“7 Days, 7 Weeks”帶著淡淡的憂傷和希望，是典型的dEUS式抒情曲；標題曲“Pocket Revolution”，主唱Tom靜靜地玩弄著他性感的嗓音，搭配小提琴的沈鬱，卻忽然在副歌時出現女黑人福音式的高亢合唱和節奏感十足的吉他刷奏；結尾曲“Nothing Really Ends”是充滿慵懶氣氛的沙發小品，這首歌曾在多年前的精選輯中便已經收錄，但如今聽來，依然韻味十足。

毫無疑問地，dEUS完美地演出了令人期待已久的回歸，同時也奠定了他們比利時搖滾前鋒的地位。想著大學時自己在校園裡開車放著“Instant Street”，隨著其中怪異反覆的吉他獨奏，將方向盤打到底，載著學弟們在球場上飛快地畫圈打轉的情景。我想dEUS仍會繼續伴隨我渡過接下來的許多美好時光。

*dEUS官方網站：http://www.deus.be

這是很殘酷，殘酷到令我自己都覺得無助的事情。

我一直都是Mew的忠實歌迷，他們是無聊的2003年我唯一覺得驚艷的新團體。從日本的Summersonic第一次認識和愛上這個樂團，到之後我一遍又一遍地聽著”Frenger”渡過我窮極無聊的上班生活，Mew有兩點十分吸引我，一個是他們獨特的編曲和奇特但不刻意的怪異節奏，另一個便是流暢到不行的旋律線。而這張新專輯，他們將第一項優勢發揮的淋漓盡致，但旋律卻變得薄弱許多。

這讓我想到的是，旋律和氛圍這兩種東西真的是這麼難共存的嗎？在新專輯中，Mew將他們冰雪氣質擴展到一個無窮大的境界，說得容易想像一些，就像是Sigur Ros的重裝行軍版。在氣氛的營造上是破表的高分，但是旋律真的十分平淡，”Am I Wry? No”那種氣勢依然存在，但耐聽度打折許多，或是說，很難對某首歌曲有很深的印象。

於是，我又會想到，樂團展現創作力的方式是不是一定會利用某幾種特定的模式：(1)超過15首的曲目，更甚者，雙專輯（或雙CD）、(2)整張專輯連貫、(3)歌曲講述同一概念主題或前後呼應、(4)絞盡腦汁，極盡複雜的編曲、(5)帶一首超怪異的隱藏歌或是開場曲。這些都很棒，但我仔細回想，這些可能是會讓我覺得很屌的”點”，但我真正鍾愛或是百聽不厭的專輯通常都不是這樣。

旋律也許真的是影響我很大的因素。我的老闆是滾石黃金時期的音樂人，我們今天上班時把他參與製作的「紅玫瑰白玫瑰」電影主題曲「玫瑰香」翻出來聽（題外話：百度能在Nasdaq掛牌不是沒有原因的…）。我很少聽國語流行歌，但這首歌真的十分打動我，林憶連的歌聲來演繹這首歌曲只能說是完美，而歌曲質感的營造也非常純粹，但最重要的還是旋律，沒有話說。在我心中，將旋律和氛圍拿捏最完美的，莫過於Mercury Rev的”All Is Dream”，這已經被我列入人生十大專輯之一，他沒有符合我上述所說得任何一個”有企圖心的”專輯”似乎應該”有的特點，但他完整的程度讓其他專輯很難超越在我心中的地位。簡單的說，沒有話題性，但真正能打動人心。

最後，我還是必須說，Mew的新輯是一張經典之作，搖滾樂迷必備珍品。雖然很可能被我買回來之後貢在架上。

連結：Mew Official Site

每次我認真做一件事情時，便很容易會陷入著魔的狀態。自從上禮拜我拿起吉他、紙筆、麥克風，重新開始面對電腦做歌之後，我的每一天都是和刺眼的朝陽說晚安。前兩天我面臨一個新的工作，就是幫一個(1)女生 的朋友寫一首(2)輕快 的歌。基本上輕快的歌我沒什麼問題，雖然說Echo給人的印象是以陰鬱為主，但我還不至於無能到只會寫慘情歌。不過寫女生旋律倒是比較麻煩的一點，因為我很習慣了寫給自己的旋律，我了解自己的音域音質，還有最佳的表現方式。但是替人寫歌就不同了，我必須能保證這是適合他的旋律。

於是處女座的可怕性格就開始了，這兩天我總共想了四組曲和三組詞，晚上一回家就自己閉門錄到太陽來跟我招手。以致於，我忘記回email、忘記繳卡費、忘記回Blog上的留言、忘記要早起去上班(?)、忘記不可以喝太多咖啡和抽太多煙。

今天中午起床，原本是要飛奔到公司去處理事情，但是因為身體實在太疲累了，於是我選擇對自己好一點。先在客廳沙發上看政論節目發呆了半小時，再慢慢地到捷運站旁邊的麥當勞一邊吃麥香魚一邊看某本不是很時尚的數位時尚雜誌。坐上捷運，很不巧做到西面的位子，太陽就這樣一路曬著我，但其實我腦中還在想那首輕快歌曲的事情。想著想著，就忽然很想聽The Tears，說實在，我從來沒有真正有過想要把The Tears拿出來聽的念頭，某次都是隨便聽聽，快轉跳過；會買CD也是因為他們是少年的偶像，總覺得我好歹也有十幾片Suede的CD旁邊至少應該有一張Here Comes The Tears。不過，今天我是真的想聽。

如果不要用「Suede原始黃金組合的新團」，這麼沈重的壓力來看這張專輯的話，其實這是一張很舒服耐聽的作品。Brett獨有的旋律感依然很犀利，畢竟要在這些通俗到不行的和絃裡唱出這些旋律，是真的很不容易的。從頭開始聽，幾乎每一首歌都是很陽光美麗的情歌，我實在看不出來所謂「 淚」在哪裡。我個人認為，這張唱片根本應該取名為”Here Comes The Sun”，他們團名乾脆也改成”The Sun”好了。

今天的我很陽光，而且我認真的覺得，The Sun這個團名很酷。